Home ΟΡΑΜΑ

ΨΥΧ. ΤΕΧΝΗΣ

Ψυχολογία τέχνης

Η τέχνη μπορεί να μεγεθύνει το εύρος της προσωπικής μας ελευθερίας επεκτείνοντας την επίγνωση των προσωπικών μας επιλογών και ταυτόχρονα αυξάνει την ανθρώπινη ζωτικότητα μέσα από την μάθηση μιας πιο έντονης αντίληψης των χρωμάτων, των μορφών, των ήχων και των αξιών ενός κόσμου μέσα στον οποίο ζούμε. Στο πεδίο της ψυχολογίας πέρα από το άλυτο πρόβλημα του ορισμού της τέχνης, υπάρχει ένας δυναμικά αυξανόμενος κλάδος, η ψυχολογία της τέχνης.

Η ψυχολογία της τέχνης είναι ένας επιστημονικός κλάδος που μελετά την αντίληψη, τη γνώση και τα χαρακτηριστικά της τέχνης. Σύμφωνα με τις γενικές αρχές της ψυχολογίας της τέχνης, η τέχνη μπορεί να μελετηθεί μέσω της αντίληψης και των διεργασιών που λαμβάνουν χώρα στον ανθρώπινο εγκέφαλο, και λειτουργεί σε μια πολιτιστική συνέχεια βοηθώντας μας έτσι να την αναλύσουμε.

Περισσότερα...
 

Ιστορία της Ψυχολογίας Τέχνης

1880 — 1950

Ένας από τους πρώτους που προσπάθησε να ενσωματώσει την ψυχολογία με την ιστορία τέχνης ήταν ο Heinrich Wölfflin (1864 - 1945), Ελβετός κριτικός τέχνης και ιστορικός, ο οποίος στη διατριβή Prolegomena zu einer Psychologie der Architektur (1886) προσπάθησε για να δείξει ότι η αρχιτεκτονική θα μπορούσε να γίνει κατανοητή από καθαρά ψυχολογική άποψη. Ένας άλλος σημαντικός άνθρωπος  στην ανάπτυξη της ψυχολογίας τέχνης ήταν ο Wilhelm Worringer, ο οποίος παρείχε μερικές από τις πρώτες θεωρίες για την εξπρεσιονιστική τέχνη. Πολυάριθμοι καλλιτέχνες του εικοστού αιώνα άρχισαν να επηρεάζονται από αυτό το ψυχολογικό επιχείρημα, συμπεριλαμβανομένου Naum Gabo, Paul Klee, Vasily Kandinsky. Ο Γάλλος τυχοδιώκτης και ο κριτικός ταινιών Andre Malraux ενδιαφέρθηκαν επίσης για το θέμα και έγραψαν το La Psychologie de l'Art (1947-9).
Αν και τα θεμέλια της ψυχολογίας τέχνης αναπτύχθηκαν αρχικά στη Γερμανία, σύντομα εμπλάκησαν, στην ψυχολογία, τις τέχνες τη φιλοσοφία, οι ΕΣΣΔ, Αγγλία (Clive Bell και Herbert Read), Γαλλία (Andre Malraux, Jean-Paul Weber).
Στις ΗΠΑ, οι φιλοσοφικές τάσεις της ψυχολογίας της τέχνης ενισχύθηκαν με την εργασία του John Dewey. Η ‘τέχνη ως εμπειρία’ δημοσιεύθηκε το 1934, και αποτέλεσε τη βάση για τις σημαντικές αναθεωρήσεις στη διδασκαλία και τις πρακτικές από τον παιδικό σταθμό ως το πανεπιστήμιο. Ο Manuel Barkan, προϊστάμενος του σχολείου αισθητικής αγωγής και εφαρμοσμένων τεχνών στο κρατικό πανεπιστήμιο του Οχάιου, και ένας από τους πολλούς παιδαγωγούς που επηρεάστηκαν  από τις γραφές του Dewey, εξηγεί στο βιβλίο του, ‘Τα θεμέλια της αισθητικής αγωγής’ (1955), ότι η αισθητική εκπαίδευση των παιδιών προετοιμάζει το παιδί για μια ζωή σε μια σύνθετη δημοκρατία. Ο Dewey ο ίδιος διαδραμάτισε έναν δημιουργικό ρόλο στην καθιέρωση του προγράμματος του ιδρύματος Barnes στη Φιλαδέλφεια, το οποίο έγινε διάσημο για την προσπάθειά του να ενσωματώσει την τέχνη στα σχολεία.

1950 και μετά

Η αύξηση της ψυχολογίας τέχνης μεταξύ 1950 και 1970 επίσης συνέπεσε με την επέκταση των προγραμμάτων ιστορίας τέχνης και προγραμμάτων στα μουσεία. Η δημοτικότητα της μορφολογικής ψυχολογίας (Gestalt psychology) στη δεκαετία του '50 πρόσθεσε περισσότερο κύρος στην καινούρια αυτή τάση. Η εργασία ‘Ενθουσιασμός και αύξηση της ανθρώπινης προσωπικότητας’ (1951) που ήταν μια συνεργασία των Fritz Perls, Paul Goodman, και το Ralph Hefferline. Οι γραφές του Rudolf Arnheim (1904) είχαν ιδιαίτερη επίδραση κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου. Το βιβλίο του ‘Προς την ψυχολογία της τέχνης’ (πανεπιστήμιο Μπέρκλεϋ Καλιφόρνιας) δημοσιεύθηκε το 1966. Η θεραπεία μέσω της τέχνης τράβηξε την προσοχή σε πολλά από τα μαθήματα της ψυχολογίας τέχνης και προσπάθησε να την εφαρμόσει στα πλαίσια της θεραπείας του εγώ. Το μάρκετινγκ άρχισε επίσης να επισύρει την προσοχή στα μαθήματα της ψυχολογίας τέχνης από το σχεδιάγραμμα των καταστημάτων ως την τοποθέτηση και το σχεδιασμό των εμπορικών αγαθών.
Η ψυχολογία τέχνης, γενική, ήταν σε διαφωνία με τις αρχές της φροϋδικής ψυχανάλυσης με πολλούς ψυχολόγους τέχνης να την ερμήνευσαν ως υποδεέστερη. Οι γραφές του Carl Jung, είχαν μια ευνοϊκή υποδοχή μεταξύ των ψυχολόγων τέχνης δεδομένης της αισιόδοξης απεικόνισής του  ρόλου της τέχνης και της πεποίθησής του ότι το περιεχόμενο του προσωπικού ασυνείδητου και, ειδικότερα, του συλλογικού του ασυνείδητου, θα μπορούσε να προσεγγιστεί από την τέχνη και άλλες μορφές πολιτιστικής έκφρασης.
Μέχρι τη δεκαετία του '70, προσοχή στην ψυχολογίας τέχνης στην ακαδημία άρχισε να εξασθενεί. Οι καλλιτέχνες ενδιαφέρονταν περισσότερο για την ψυχανάλυση και το φεμινισμό και οι αρχιτέκτονες για τη φαινομενολογία και τις γραφές Wittgenstein, Lyotard και Derrida. Όσον αφορά στην τέχνη και τους αρχιτεκτονικούς ιστορικούς, κριτικάρισαν την ψυχολογία για την ύπαρξη αντι-κρουώμενων θεωρημάτων και θεώρησαν ότι ήταν πολιτιστικά αφελής. Ο Erwin Panofsky, που άσκησε τεράστια επίδραση στην εξέλιξη της ιστορίας τέχνης στις ΗΠΑ, υποστήριξε ότι οι ιστορικοί πρέπει να εστιάσουν λιγότερο σε αυτό που βλέπουν και περισσότερο σε αυτά που σκέφτονται. Σήμερα, η ψυχολογία διαδραματίζει ακόμα έναν σημαντικό ρόλο στην τέχνη, εν τούτοις περισσότερο στον τομέα της εκτίμησης τέχνης.

Υλικό από Wikipedia.

 

Ψυχοαναλυτική άποψη για τη θεωρία της τέχνης

O Heinrich Wölfflin δεν ήταν ο μόνος μελετητής που επικαλέστηκε τις ψυχολογικές θεωρίες για μελέτη της τέχνης. Ο ψυχαναλυτής Sigmund Freud έγραψε ένα βιβλίο για το Leonardo Da Vinci, στο οποίο Freud χρησιμοποίησε τα έργα ζωγραφικής του Leonardo για να ανακαλύψει τον σεξουαλικό προσανατολισμό του καλλιτέχνη. Ο Freud συμπέρανε από την ανάλυσή του ότι ο Leonardo Da Vinci ήταν πιθανώς ομοφυλόφιλος. Εντούτοις, η χρήση του μεταθανάτιου υλικού για την ψυχανάλυση είναι αμφισβητούμενη και επιπλέον, το σεξουαλικό υπόβαθρο της εποχής και Freud του Leonardo είναι εντελώς διαφορετικό.
Ένας άλλος σημαντικός και διάσημος εκθέτης της ψυχαναλυτικής θεωρίας όπως εφαρμόζεται στους καλλιτέχνες και τις εργασίες τους είναι ο Carl Jung, Ελβετιός ψυχίατρος, φιλόσοφος, και ιδρυτής της αναλυτικής ψυχολογίας.. Οι ιδέες του για το συλλογικό ασυνήδειτο ήταν πολύ δημοφιλείς ειδικά μεταξύ των αμερικανικών εξπρεσιονιστών στη δεκαετία του 1940 και 1950s. Ο σουρεαλιστικός τρόπος ζωγραφικής από τα όνειρα, και το ρεύμα σουρεαλισμού στο γράψιμο και τη ζωγραφική καθόρισε την πρακτική πολλών καλλιτεχνών του 20ού αιώνα.
Μετά από τον Freud και τον Jung, διάφοροι άλλοι μελετητές έχουν εφαρμόσει την ψυχαναλυτική θεωρία στην τέχνη. ‘Οι τέσσερις θεμελιώδεις έννοιες της ψυχανάλυσης’ του Ζακ Lacan's είναι ένα από το εμπνευσμένο κείμενο σχετικά με το ασυνείδητο. Ένας άλλος γνωστός μελετητής είναι Laurie Schnieder Adams, ο οποίος έγραψε ένα δημοφιλές εγχειρίδιο με τίτλο "Η τέχνη μέσα στο χρόνο".
Η προσέγγιση του Jung στην ψυχολογία υπογράμμισε την κατανόηση της ψυχής μέσω της εξερεύνησης του κόσμου των ονείρων, της τέχνης, της μυθολογίας, της παγκόσμιας θρησκείας και της φιλοσοφίας. Ένα μεγάλο μέρος της ζωής του ξοδεύτηκε ερευνώντας την ανατολική και δυτική φιλοσοφία, την αλχημεία, την αστρολογία, την κοινωνιολογία, καθώς επίσης και τη λογοτεχνία και τις τέχνες. Οι πιο ξεχωριστές συνεισφορές του περιλαμβάνουν την έννοιά του ψυχολογικού αρχέτυπου, του συλλογικού του ασυνείδητου, και της θεωρίας του συγχρονισμού. Ο Jung θεωρούμε ότι πολλές εμπειρίες δεν ήταν συμπτώσεις που οφειλόταν στις πιθανότητες αλλά, αντ' αυτού, πρότεινε ότι η εκδήλωση παράλληλων γεγονότων ή περιστάσεων είχαν σαν αποτέλεσμα μια συγκεκριμένη δυναμική. Ο Jung υπογράμμισε τη σημασία της ισορροπίας και της αρμονίας. Προειδοποίησε ότι οι σύγχρονοι άνθρωποι στηρίζονται σε πάρα πολύ μεγάλο ποσοστό στην επιστήμη και τη λογική και πως θα ωφελούνταν αν ενσωμάτωση την πνευματικότητας και την εκτίμηση της ασυνείδητης σφαίρας. Ο Τζάκσον Pollock δημιούργησε μια περίφημη σειρά σχεδίων για να συνοδεύσει τις ψυχαναλυτικές συνεδρίες του με τον Jungian ψυχαναλυτή του, ο Δρ. Joseph Henderson. Ο Henderson που δημοσίευσε αργότερα τα σχέδια σε ένα κείμενο που αφιερώθηκε στις συνεδρίες Pollock συνειδητοποίησε πόσο ισχυρά ήταν τα σχέδια αυτά ως θεραπευτικό εργαλείο.

 

Η τέχνη δεν έχει όρια

Η τέχνη είναι σχεδόν τόσο παλιά όσο και ο άνθρωπος. Κάθε είδος τέχνης καθορίζεται από το χρόνο και εκφράζει την ανθρωπότητα στις ιδέες, τους πόθους, τις ανάγκες και τις ελπίδες μιας κοινωνίας αποτυπώνοντας μιας κατάσταση που λαμβάνει χώρα σε μια δεδομένη στιγμή της ιστορίας. Ταυτόχρονα όμως, η τέχνη προχωρεί πέρα από αυτά τα όρια που είναι καθορισμένα από την εποχή της και δημιουργεί μια υποσχόμενη σταθερή ανάπτυξη. Σε όλες τις μορφές της εξέλιξής της, η τέχνη πάντοτε εμπεριέχει μια μαγεία η οποία συναρπάζει τον άνθρωπο και τον βοηθάει να δαμάσει τον ανεξερεύνητο κόσμο.

Η τέχνη ως μέσο φέρνει τον άνθρωπο σε μια κατάσταση ισορροπίας με το γύρω κόσμο και αφού δεν μπορούμε να πούμε ότι υπάρχει μόνιμη ισορροπία μεταξύ του ανθρώπου και του γύρω κόσμου, ακόμα και στην εξελιγμένη κοινωνία, η ιδέα αυτή υποδηλώνει πως η τέχνη δεν ήταν αναγκαία μόνο στο παρελθόν, αλλά θα παραμένει πάντοτε μια ανάγκη. Υπάρχει στην τέχνη κάτι που εκφράζει μιαν αναλλοίωτη αλήθεια. Κι αυτό είναι που μας καθιστά ικανούς να συγκινούμαστε απλά κοιτάζοντας προϊστορικές ζωγραφιές των σπηλαίων.

Ο άνθρωπος αισθάνεται την ανάγκη να απολαμβάνει κάθε είδος τέχνης, ποίηση, ζωγραφική, μουσική, θέατρο, γιατί είναι ψυχαγωγικό να ταυτίζει κανείς τον εαυτό του με έναν πίνακα ζωγραφικής, με ένα μουσικό κομμάτι, η με τα πρόσωπα ενός διηγήματος. Η τάση μας να ανταποκρινόμαστε στο μη πραγματικό, μας κάνει να το αισθανόμαστε ακόμα εντονότερα από ότι την ίδια την πραγματικότητα. Μέσω της τέχνης, βρίσκουμε εκείνη την ευτυχισμένη ελευθερία που η καθημερινότητα μας στερεί, και ενώ μας αιχμαλωτίζει με έναν διαφορετικό τρόπο από την πραγματικότητα, αυτή η πρόσκαιρη αιχμαλωσία αποτελεί ακριβώς και την φύση της ευχαρίστησης εκείνης που προκαλείται ακόμη και από δραματικά έργα!.

Είναι φανερό πως ο άνθρωπος επιθυμεί να είναι κάτι παραπάνω από τον εαυτό του μονάχα. Θέλει να νοιώθει ολοκληρωμένος. Θέλει να βγει από τα περιορισμένα όρια της δικής του ζωής και να αναφέρεται σε κάτι έξω από τον εαυτό του, το οποίο ταυτόχρονα να είναι και ουσιαστικό για τον εαυτό του. Προσπαθεί να ενώσει στην τέχνη το περιορισμένο εγώ του σε μια συνολική ύπαρξη, και να κάνει πιο κοινωνική την ατομικότητά του. Ο Μπρέχτ τονίζει ότι σε μια κοινωνία, το άμεσο αποτέλεσμα του έργου τέχνης είναι να καταπνίγει τις κοινωνικές διακρίσεις έτσι ώστε να δημιουργείται ένα σύνολο που δεν είναι χωρισμένο σε τάξεις, αλλά είναι καθολικά ανθρώπινο. Μέσα από την τέχνη, η ατομικότητα έρχεται δεύτερη κι αυτό που έρχεται πρώτο είναι η συμμετοχή στη εμπειρία γιατί η τέχνη μας βοηθάει να εκφράσουμε την άπειρη ικανότητα του ανθρώπου να συμμερίζεται ιδέες και εμπειρίες.
Μέσα στον αλλοτριωμένο κόσμο που ζούμε, την κοινωνική πραγματικότητα πρέπει να την αναπαράγουμε με τρόπο συναρπαστικό, κάτω από νέο φως και μέσω της αλλοτρίωσης του αντικειμένου και των χαρακτήρων. Τα έργο τέχνης πρέπει να συναρπάζει το ακροατήριο όχι με παθητική ταύτιση, αλλά με επίκληση στη λογική πράγμα που απαιτεί δράση και απόφαση, έτσι ώστε ο θεατής να κάνει κάτι πιο παραγωγικό από μια απλή παρακολούθηση ή παρατήρηση του έργου.
Η δουλειά του καλλιτέχνη είναι μια διαδικασία ύψιστα συνειδητή και λογική, στο τέλος της οποίας το έργο τέχνης προβάλλει ως δαμασμένη προσωπική πραγματικότητα, και καθόλου ως μια κατάσταση έμπνευσης που πηγάζει από παραλήρημα. Για να είναι κανείς καλλιτέχνης πρέπει να συλλαμβάνει να συγκρατεί και να μεταμορφώνει την εμπειρία σε μνήμη, τη μνήμη σε έκφραση και την έκφραση σε μορφή. Πρέπει επίσης να ξέρει τη δουλειά του, να τη χαίρεται, να καταλαβαίνει τους κανόνες τις μορφές και τον τρόπο με τον οποίο μπορεί να δαμάσει την φύση και να την υποτάξει στη σύμβαση της τέχνης.
Aesthetics and Art 2008, G.Zografidis, G. Kougioumoutzakis.

 
  • GREEK
  • ENGLISH